I tilfælde af at du ikke har bemærket det, er Los Angeles fuld af udstillingsrum. LACMA er hjemsted for 100.000 kunstværker, der cementerer det som det største museum i det vestlige USA. Museet åbnede i 1965 og fokuserer på kunsthistorien og kloden. Hvor skal jeg starte? Vi profilerer ti must-see-værker hos LACMA.
Grædende kvinde med lommetørklæde (1937) af Pablo Picasso
Picasso malede dette i 1937 i Spanien efter at have afsluttet sit berømte værk Guernica, som var i protest mod den spanske borgerkrig. Derefter flyttede Picasso sin maleri til surrealisme, men fortsatte med at male den grædende kvinde ofte. Kvinden, der er fanget, repræsenterer ikke kun hans personlige uro, og mange mener, at det er et portræt af hans elsker og elskerinde Dora Maar, men repræsenterer også et offer for krigen - en kone og mor, der er tilbage i smerte ved ødelæggelse. Maleriet er utroligt kraftfuldt såvel som tankevækkende. Museet har en bred vifte af Picassos værker udstillet fra flere forskellige perioder, så du kan udforske samlingen af denne store kunstner.
Foto af Daren DeFrank
Shiva som dansens herre (ca. 950–1000) af Tamil Nadu
Shiva the Destroyer and Restorer er en af de tre hinduistiske guder. De andre inkluderer Brahma, skaberen, og Vishnu, som er ophavsgiver. Shiva er bredt populær og tilbedt i hele det sydlige Indien. Shiva er også kendt som skytsguden for yoga og kosmisk dans, der skabte universet i kontinuerlige rytmiske cyklusser. I denne skildring danser Shiva omkring en flamme, der stiger op fra en lotus-piedestal, der af mange betragtes som et symbol på skabelsen. Skulpturen er blevet symbolsk for den indiske civilisation. Værket fanger Shivas nåde og guddommelige enhed. Skulpturen kan findes på fjerde etage i Ahmanson-bygningen, og når man ser den tæt på er det let at se den magtfulde betydning, denne skulptur har haft for den indiske kultur, samt hvorfor stykket fejres rundt om i verden.
Foto af Daren DeFrank
Wrestlers (1899) af Thomas Eakins
Dette maleri er let at finde i galleriet, fordi det ganske enkelt kræver din opmærksomhed. Pludselig er du så betaget af det skarpe billede, at det er svært at se væk. Eakins betragtes som en af de store realistiske amerikanske malere i det nittende århundrede, og det er let at se hvorfor. Maleriet ser ud som om det foregår foran dig med to wrestlers sammenflettet midt i en kamp. Målet i mange af hans værker var at fange 'heroism i det moderne liv', og han ville ofte bruge timer på at skabe disse øjeblikke. Han ville ofte have to atleter, der kæmper for ham og derefter finde ud af, hvilken position han fandt mest stilistisk interessant. Dette maleri er også hans sidste afsluttede med emnet den menneskelige form og blev færdig i slutningen af sin karriere. Det menes at være repræsentativt for hans egen frustration over livet. Maleriet er bestemt frygtindgydende. Hvem vidste, at det at bryde med ens dæmoner kunne være så smukt?
Foto af Daren DeFrank
Three Quinains (1964) af Alexander Calder
Denne skulptur er unik ikke kun for designelementerne i Alexander Calder's Three Quintain-værker, men også fordi stykket blev skabt til museet. Inden museet åbnede, blev der nedsat et udvalg, der skulle erhverve en springvandskulptur til lokationen. Museet tilbød kommissionen til Calder, der blev aftalt i juni 1964. Laurelle Burton, der var præsident for Kunstmuseumsrådet på det tidspunkt, sagde: 'At have en mand med Alexander Calders fremtrædende rolle var den første til at designe en skulptur specifikt for det nye museum ville sætte standarderne for fremtidig indsats fra kunstnerne og donorernes side. ' Springvandet består af enkle geometriske former, der er karakteristiske for Calders stil, flydende i luften og fremdrevet af vandstråler. Stykket er en af de få springvandskulpturer, som Calder nogensinde er skabt. Arbejdet vises permanent i Director's Roundtable Garden.
Blomsterdag (Dĩa de Flores) (1925) af Diego Rivera
Diego Rivera har bestemt ingen introduktion. Hans malerier i forskellige medier, herunder akvarel og olie, er verdenskendt. Dette maleri er et must-see værk! Målet for maleriet er sælgeren af calla liljer. Blomsterne ses ovenfra, hvilket er et unikt perspektiv. Kompositionen af stykket er også interessant, fordi figurerne er bloklignende i stil, hvilket er en teknik, som Rivera fandt ud af sit kubistiske maleri tidligere i sin karriere. Efter at have vundet førstepladsen i den første panamerikanske udstilling af oliemalerier i 1925, blev den opnået af LACMAs moderinstitution Los Angeles Museum of History, Science and Art.
Diego Rivera blomsterdag © Joaquin Martinez / Flickr
Fliser med rullende blomster Arabesque (ca. 15. århundrede), Greater Iran
En del af LACMA's udstilling, Islamic Art Now - Del 2, dette keramiske stykke stammer tilbage fra det 15. århundrede. Udstillingen som helhed fokuserer på blandingen mellem fortid og nutidig kunst i forskellige medier og temaer. Denne flise hører til Timurid-reglen i Iran og Centralasien. Timurids-sponsorerede bygninger pyntes ofte med dekorative fliser som denne. Stykker af fliser blev skåret ud fra forskellige sæt fliser, med en række forskellige farver, for at skabe en mosaik, der ville blive sammen med andre i at skabe et komplekst design på ydersiden af strukturer. Det, der er mest slående med dette stykke, er, at på trods af flisens alder og slid forbliver tidens farver stadig levende.
-
- Fliser © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) af René Magritte
Ikke kun betragtes dette maleri som et af René Magrittes surrealistiske mesterværker, det er også meget anerkendt som et ikon for moderne kunst. Surrealisme var en kunststil, der kraftigt trak sin indflydelse fra den freudianske psykologi. Det symboliserede en reaktion mod 'rationalisme', som mange troede bidrog til 1. verdenskrig. Hans ordbillede-malerier er hans eksempler på umuligheden ved at kombinere ord med billeder og genstande. Magritte havde arbejdet inden for reklame såvel som at være kunstner, og maleriet ser ud til at være forenklet - næsten sælge det rør, der er afbildet i stykket. Under ordene læst 'er dette ikke et rør', som først er forvirrende. Det komplekse element er, at et maleri af et rør ikke faktisk er et rør i sig selv, men kun en afbildning af et rør. Hans brug af tekst i hans malerier ville fortsætte med at påvirke en generation af konceptorienterede kunstnere, herunder: Jasper Johns, Roy Lichtenstein og Andy Warhol.
Foto af Daren DeFrank
Still Life with Cherries and Peaches (1885-1887) af Paul Cézanne
Paul Cézanne er kendt som en af de legendariske postimpressionistiske malere i det 19. århundrede. Hans malerier inkluderer en række forskellige emner fra landskaber til portrætter og stilleben. Hans ikoniske malerier af forskellige bordindstillinger genkendes straks ind og ud af kunstverdenen. Cézanne brugte levende farver og penselstrøg for at fange intensiteten af billederne, hvilket er eksemplificeret i dette maleri. Synspunktene i maleriet er forskellige. Kirsebærene ses fra et ovenstående fokuspunkt, mens fersknerne på trods af deres nærhed ser ud til at ses mere i retning af en sidevinkel. Glaset og arket ledsager bordindstillingen og er realistiske, men alligevel mere abstrakte på samme tid, hvilket er typisk for postimpressionisme. Dette stykke er et klassisk eksempel på den fængslende stil med Cézanne og et must-see-maleri i sig selv.
Foto af Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) af Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein er en af en gruppe kunstnere, der brugte kommercielt billedmateriale i deres arbejde og transformerede det. Disse stilarter blev kendt som Pop Art og kom på mode i 1960'erne. Brug af fed farver og linjer skaber tegneserier i tegneserier. Den præcise tegning ligger også fladt på lærredet, med vilje manglende brug af dimension. Sammenlægningen af teksten i stykket der siger 'Hej' med den bagudvendte kvinde skaber også en interessant dynamik. Ved hjælp af stilen kendt som Ben-Day (printer) prikker, som er en mekaniseret proces, der bruges til produktion af tegneserier, skaber Lichtenstein kvindens hud med en håndlavet fortolkning af teknikken.
