Det indiske subkontinent har produceret adskillige kunstnere af international anerkendelse, hvoraf mange henter millioner på auktion over hele verden. Nogle af de mest succesrige og innovative kunstnere fra Indien er kvinder, og deres forskellige praksis udforsker en lang række temaer, fra identitet og hukommelse til politik, historie og moderne kultur. Vi bringer dig ti af de mest berømte moderne kvindelige indiske kunstnere.
Shilpa Gupta
Undersøgelse af en række temaer fra forbrugerkultur til ønske, sikkerhed, religion, nationalisme og menneskerettigheder, Shilpa Gupta's tværfaglige praksis bruger interaktiv video, fotografering, installation og performancekunst, der ofte er afhængig af publikums deltagelse. Hun fungerer som et interaktivt videospil, og hendes serie af videoprojektioner med titlen Shadow (1, 2 og 3) inkorporerer seernes simulerede skygger, der er fanget af et live kamera. Skyggerne projiceres på den hvide skærm og interagerer med andre skygger skabt af genstande, dukker, huse, fugle og andre figurer, der danser, hopper og går. Gupta er en blandt en ung generation af indiske kunstnere, hvis arbejde reagerer på landets postkoloniale samfundsskiller. Hun slører ofte, tegner og sletter geo-politiske grænser, som f.eks. I 100 håndtegnede kort over Indien (2007-2008), bestående af håndtegnet kort af seere fra hukommelsen, eller hendes untitlede arbejde, der viser et gult politi båndflaglæsning, "Der er ingen grænse her."
Bharti Kher
Den klistrede, færdige bindi - en traditionel indisk pandeudsmykning - er central i Bharti Khers praksis og indbyder til ambivalente betydninger, der svinger mellem tradition og modernitet. Kher trives med at skabe kunst, der skildrer fejlagtig fortolkning, misforståelser, konflikt, mangfoldighed og modsigelse, udforske menneskets drama og nutidige liv. Bindi vises i hendes malerier såvel som i hendes skulpturelle installationer, hvor hun udfordrer kvinders rolle i et traditionelt land og henviser til dets traditionelle åndelige betydning af det 'tredje øje'. Hendes rekordstore The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006) skildrer en død eller døende fiberglas-elefant dækket af skinnende bindis. Hendes arbejde beskæftiger sig endvidere med allegoriske fortællinger, fantastiske væsener, magiske dyr og mystiske monstre, som det ses i andre dyrebaserede stykker som Misdemeanors. En fravær af en overdragelig årsag (2007) er en kopi i livsstørrelse af hjertet af en blåhval, baseret på kunstnerens fantasi, understreger den romantiske idé om et 'stort hjerte' og de mysterier, der binder hjertet til begreber om kærlighed, liv og død.
Bharti Kher - en fravær af overdragelig årsag © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Med papir som sit primære medium og et minimalt ordforråd, der er rig på foreninger, skaber Zarina Hashmi abstrakte værker, der resonerer med hendes livsoplevelser af eksil og bortvisning og begrebet hjem - uanset om det er personligt, geografisk, nationalt, åndeligt eller familiært. Hendes kontemplative, poetiske oeuvre inkluderer træsnit, ætsninger, tegninger og støbninger lavet af papirmasse. Hendes håndlavede og kalligrafiske linjer udgør et samlende element i hendes kompositioner. Sprog er afgørende for kunstneren. Letters from Home (2004) viser en række tryk baseret på breve fra hendes søster Rani, der bor i Pakistan. I et Tate-videointerview fortæller Zarina, hvordan modtagelsen af disse breve hjalp hende med at bevare en følelse af identitet. Håndskrevet urdu er overtrukket med kort og tegninger af fjerne hjem og steder, der bærer skyggerne af betydningsfulde øjeblikke og indtryk af steder, der er relevante for hendes families liv.
Nalini Malani
Begrebet den transcenderede grænse er kernen i Nalini Malanis praksis, der trækker fra litteratur, mytologi, historie og personligt liv for at skabe kunst med relevans på tværs af kulturer. Fra tegninger til malerier, projiceret animation, skyggespil, video og film, sammenstiller kunstneren tradition med modernistiske elementer for at tackle presserende spørgsmål, der vedrører det moderne samfund. Hendes familie blev påvirket af 1947-partitionen - et tema, som er kendt for Malani, som det ses i At huske Toba Tek Singh (1998), en video inspireret af Sadat Hasan Mantos novelle om den samme titel. Malani bruger symbolikken for Bishen Singhs død - en mental patient, der nægter at flytte til Indien under skillevejen, dør i ingenmandsland mellem de to grænser. Malani undersøger derefter virkningen af Partition på folks liv, og hun udvider denne efterforskning til virkningen af nukleare test i Pokhran, Rajasthan. Malanis interesse for Cassandra ligger i hendes tro på, at hver af os har indsigt og instinkter. Hendes udstilling fra 2014 med titlen Cassandra's Gift på Vadehra Art Gallery fokuserede på muligheden for, at menneskeheden forudser fremtidens begivenheder og virkelig 'lytter' til, hvad der sker omkring dem.
Rina Banerjee
En kærlighed til stof, stof og tekstur kombineret med oplevelse af at bo i samfund med blandede kulturelle / racemæssige steder giver grundlaget for Rina Banerjees poetiske multimedieværker. Hun definerer sin oeuvre som en udforskning af 'specifikke koloniale øjeblikke, der genopfinder sted og identitet som komplekse diasporiske oplevelser sammenflettet og undertiden surrealistisk.' Banerjee skaber farverige samlinger af tekstiler, modeartikler, koloniale genstande, møbler, taxidermi og organiske materialer, hentet fra junkforretninger i New York og rekonfigureret til genstande, der er genstand for ny betydning. Usædvanlige materialer inkluderer taxidermied alligatorer, tresenge, fiskeben, strudsæg, fjer og antikke møbler. Mens hybriditeten af hendes værker er en afspejling af hendes kosmopolitiske baggrund, er det visuelle sprog, hun skaber, rodfæstet i mytologi og eventyr. Tag mig, tag mig… to the Palace of Love (2003) er en installation, der blev vist på Musée Guimet i Paris i 2011. Artikulerende en diskurs om hendes oprindelse og den vest-orientalistiske udsigt over Østen, den omfattede en lyserød plastpavillon lavet i form af Taj Mahal for at fremkalde et syn på Indien gennem rosetone briller, karakteristisk for den koloniale britiske tilstedeværelse i Indien - med en central samling af 'eksotiske' materialer.
Dayanita Singh
Ved at skabe nysgerrige fortællinger om hverdagen gennem det fotografiske medium giver Dayanita Singh et visuelt udtryk til et landskab, der sammenstiller kunstnerens fantasi med den virkelige verden. Hendes sort / hvide fotografier præsenteres i en installation med titlen Museum såvel som i hendes yndlingsmedium: bogen. Papir har en særlig betydning for Singh. Kunstneren skildrer alle fra overklassen til samfundets frynser og giver en vidvinkling af det moderne Indien. Mona Ahmed er en tilbagevendende figur i sit arbejde; lige siden deres første møde i 1989 på en kommission for London Times - en eunuch, der bor på en kirkegård i Gamle Delhi, en dobbelt udstøder, der blev afvist af hendes familie og af eunuch-samfundet. Singhs skildring af Mona er en udforskning af dem med fragmenterede identiteter og en mangel på en følelse af tilhørighed, som er genstand for bogen Myself Mona Ahmed. Singh's House of Love slører linjen mellem fotografibog og litterær fiktion med billeder ledsaget af poesi og prosa, der fortæller ni noveller. De bærbare 'museer', såsom File Museum (2013) eller Museum of Chance (2014), er store trækonstruktioner, der kan arrangeres i forskellige konfigurationer med mellem 70 og 140 fotografier. Denne 'fotaarkitektur', som Singh kalder det, giver hende uendelige muligheder for at vise, redigere og arkivere billeder.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat inkorporerer ofte mere end et medium i et enkelt kunstværk. Kallats oeuvre beskæftiger sig med de uendelige cyklusser i naturen og skrøbeligheden af den menneskelige tilstand, hvilket afspejler de konstante skift mellem fødsel, død og genfødsel; opbygning og kollaps, nederlag og genopblussen. Hun arbejder ofte med officielt indspillede eller registrerede navne - på mennesker, genstande eller monumenter, der er gået tabt eller er forsvundet sporløst. Et tilbagevendende motiv i hendes praksis er gummistemplet, et symbol på kontrol og det bureaukratiske apparat - en 'ansigtsløs tilstand', som tilslører og bekræfter identiteter. Kallat har brugt gummistempler siden 2003 og investeret hendes værker med ironi. I Falling Fables brugte hun frimærker med adresser på manglende monumenter beskyttet under den arkæologiske undersøgelse af Indien for at skabe former for arkitektoniske ruiner, hvor hun blev opmærksom på tilstanden af sammenbrud og brud fra den kollektive hukommelse, der sker i Indien og rundt om i verden i dag. I 2013 skabte hun Untitled (Cobweb / Crossings), en spindelvev på facaden af Bhau Daji Lad Museum i Mumbai. Hendes skabelse omfattede et ton gummistempler med de tidligere navne på gaderne omkring museet og fremhævede mistede historier. Kallat har tidligere brugt web-motivet til at beskæftige sig med migrationsspørgsmål og dem, der kontrollerer det. I 'Untitled (Kort / tegning)' sporer et kompliceret kort over verden lavet med elektriske ledninger og fittings arbejderes ofte skjulte vandringsstier.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Detalj © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Gennem fotografering og skulpturel installation, Hema Upadhyay beskæftiger sig med forestillinger om personlig identitet, tilhørighed, dislokation, nostalgi og køn, og reflekterer over den moderne tilstand Mumbai - en metropol med dens multikulturalisme, der er resultatet af vandrende bevægelser. Et tilbagevendende selvbiografisk arbejde inkluderer billeder af sig selv, som om hun var på udkig efter sit eget sted i byen, som hun blev tvunget til at migrere med sin familie under skillevejen. I sin første separatudstilling, Sweet Sweat Memories (2001), præsenterede hun værker, der talte om følelser af fremmedgørelse og tab. Serien indeholdt miniatyrfotografier af sig selv, der blev indsat på malerier, der skildrede luft- og subalterneperspektiver af Mumbai som en overvældende ny by.
Sheela Gowda
Sheela Gowda, der inkorporerer skulptur, installationskunst og fotografering, der viser det urbane og landlige Indien, skaber værker, der bruger hverdagsmaterialer, herunder fundne og genanvendte genstande og materialer som kumøds, rødt kumkum (gurkemeje), røgelse, menneskehår, guldblad, ceremonielle farvestoffer, og husholdningsmaterialer, såsom kokosfibre, nåle, tråde og snor. Gowdas praksis er stærkt afhængig af dens proces, der slører grænserne mellem kunst og håndværk og stiller spørgsmålstegn ved den kvindelige subjektivitets rolle i sammenhæng med religion, nationalisme og vold, der udgør det moderne Indien. Og fortæl ham om min smerte (2001), der anvendte over 100 meter coiled tråd farvet med rød kumkum, ophængt og dræbt over rummet for at danne en tredimensionel tegning. Arbejdet henviste til Indiens krydderikultur og tekstilindustrien - traditionelt dele af en kvindes levede oplevelse - for at fremhæve smerten ved kvindelig hjemmeliv i et patriarkalsamfund.
