Følgende i fodspor fra kinetiske kunstpionerer som Wen-Ying Tsai, der døde i januar 2013, eksperimenterer kunstnere fra Greater China, inklusive Taiwan og Hong Kong, i stigende grad med nye medier. Mange af den unge generation arbejder med software og robotik for at skabe interaktive og fordybende kinetiske installationer, der spænder fra performativ til deltagende, og er alle overraskende vidunderlige eksempler i den stigende robotkunstscene.
dimension +
Dimension + er et nyt kreativt team for mediekunst, der er grundlagt af to kunstnere fra Taiwan og Hong Kong, Escher Tsai og Keith Lam. Kollektivet fokuserer på sammensmeltning af kunst og teknologi. Deres projekter fokuserer på at indlejre nye medier i rummet og nye mediekunster i industrien, skabe tværfagligt interaktivt design og forbedre publikums oplevelse med interaktion. Baseret i den digitale æra sigter Dimension + på at bygge bro mellem dikotomien mellem digitalt og fysisk ved at overføre det usynlige og det digitale til et synligt og håndgribeligt element, der opnås ved at kombinere analoge og digitale medier.
Dimension + har vundet mange internationale priser og har udstillet i internationale festivaler, udstillinger og begivenheder, herunder i Italien, Østrig, Japan, Beijing, Shanghai, Guangzhou, Hong Kong og Taiwan.
Signal Morphor: The Orchestra er en interaktiv og performativ installation, der omdanner kommunikation til musikalsk score og giver 'liv' til uvæsentlige (eller immaterielle) signaler. Publikum er kunstneren, og kommunikationen oversættes til audiovisuelle. En gruppe dansere med paraplyer optræder som en slags menneskelige antenner og oversætter eller afkoder kommunikationssignalerne ved at reagere på de oplysninger, de modtager, og udføre deres svar på den.
Seriens arbejde med titlen Vertebra, der for nylig blev vist på Taipei Digital Arts Festival 2013 og i The Innovationists, demonstrerer en udstilling af kinetisk og robotkunst på K11 Mall i Hong Kong og på Taipei Museum for Contemporary Art. Værkerne bruger papir som hovedmateriale og er reproduktioner af rygsøjler, der har dyrets struktur og soliditet samt planternes blødhed og smidighed, hvilket skaber en hybrid prototype af det 'perfekte' væsen.
Eric Siu
Eric Siu er en ny mediekunstner i Hong Kong, der arbejder med enhedskunst, interaktiv kunst, kinetik, installation, video og animation. Han arbejder nu som kreativ direktør hos Great Works Tokyo, et reklamebureau, og har været bestyrelsesmedlem i Hong Kongs Videotage siden 2008. I 2005 modtog han en BA i kreative medier fra City University of Hong Kong og gik videre til gennemføre et 12 måneders kulturudvekslings- og forskningsprojekt i USA. Hans video- og multimedieværker er blevet udstillet over hele kloden, inklusive på institutioner og sædvanlige nye mediekunstbegivenheder som ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asien, ISEA, Mikrobølgeovn, blandt andre.
Hans mest populære værk Touchy vandt kritisk anerkendelse og førstepræmie på WRO 2013, 15. International Biennale i Media Media, Wroclaw, Polen og blev vist på Discovery Channel og andre internationale mediepublikationer. Touchy er et 'menneskeligt kamera' - en person, der bærer et kamera, der tager et fotografi, når det røres i mere end 10 sekunder. Den bærbare hjelmindretning har funktionerne af et kamera, der består af et par automatiske skodder, et fungerende kamera og en interaktiv skærm. Touchy er for det meste blind bag skodderne, og kunstværket er faktisk en omdannelse af et menneske til et kamera. Kunstneren kalder dette værk et 'fænomenologisk eksperiment med social interaktion, der fokuserer på forholdet mellem at give og modtage ved bogstaveligt omdannelse af et menneske til et kamera.' For kunstneren sigter dette arbejde mod at helbrede de sociale ængstelser i den digitale æra ved at skabe legende interaktioner. I den nuværende teknologiske æra har der været en dehumanisering af fysisk kontakt, og social interaktion sker i stigende grad praktisk og digitalt. Touchy adresserer disse problemer ved at tillade interaktion med fremmede, involverer fysisk kontakt og kombinationen af menneske med en social tech-enhed: et kamera, som igen er et værktøj til at dele minder, øjeblikke, følelser, skønhed.
Xia Hang
Xia Hang (f. 1978, Shenyang, Liaoning-provinsen, Kina) begyndte at male, da han var 10 år gammel og dimitterede med en BFA fra Lu Xun Academy of Fine Arts og en MFA fra Sculpture Department of Peking's Central Academy of Fine Arts (CAFA). I løbet af sin tid på CAFA begyndte Xia at fremstille kommaformede mandsskulpturer i poleret rustfrit stål, som var forløberne for hans nuværende mekaniske fremmede skulpturer.
Xia Hang har skabt en række fremmede-lignende skulpturer, komplet med mekanismer, bevæger sig, strækker og ændrer form med interaktion fra publikum. Kunstneren skabte sådanne interaktive værker, der første gang blev vist i hans 2008-udstilling i Beijing, med titlen Please don't touch (med 'berøringen' krydset ud), og trodsede det ene museum og galleriregel, der forbyder at røre kunstværker. Xia Hang følte, at denne type tegn løsrev beskueren og kunstværket endnu mere, så han besluttede at lave kunstværker, der ville bringe de to tættere sammen, hvilket gjorde skulpturer til at blive som legetøj.
Xia Hang oprettede også LM1 (Legacy Machine nr. 1) i samarbejde med MB&F. Værket er et ur, der bevarer alle de attraktive funktioner i det længe fra det 19. århundrede, inspireret LM1. Xia Hang-versionen præsenterer en ny funktion i form af en miniatyr skulptur i rustfrit stål af en mand, der angiver urets magtreserve. 'Hr. Op ', skulpturen, der sidder lige op, når bevægelsen er helt viklet, forvandles langsomt til' Mr. Ned ', en slak figur, når kraften mindskes.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) er uddannet BA i kunst for design ved Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Storbritannien. På nuværende tidspunkt er Wu baseret i Chengdu og lærer den traditionelle kunst til papirskæring og arbejder på et kinetisk projekt. Da han voksede op som en ung introveret dreng, havde Wu en passion for at adskille tingene og genopbygge dem fra bunden. At opdage en fejl og finde løsningen var det, der trak ham tættere på at udvikle sine egne mekaniske værker. Wu fokuserer på at skabe kontraster og kinetiske installationer, der kræver interaktion fra offentligheden og stimulerer deres nysgerrighed.
Musical Typewriter er et eksempel på hans interaktive installationer, der inviterer unge mennesker og voksne til at lege med det. Normalt er brug af en skrivemaskine en simpel skriveaktivitet, der giver brugeren mulighed for at vide, hvad resultatet af at trykke på tasterne er. I Wu's installation er nøglerne forbundet til en række fiskelinjer knyttet til små hammere. Når der trykkes på tasterne, rammer hamrene en række genstande, såsom tomme pastasauskander, dåser, flasker, folie og producerer forskellige lyde. Forbindelserne er ukendte for publikum, hvilket resulterer i en uforudsigelig lydeksplosion. I øjeblikket prøver Wu at få finansiering eller sponsorering fra Ikea for at forbedre projektet og forbedre dets baggrund.
Samson Young
Samson Young (f. 1979) er en komponist, lyd og ny mediekunstner fra Hong Kong med et næsten skræmmende imponerende CV. Han modtog en BA i musik, filosofi og kønstudier fra University of Sydney i 2002 og en MPhil i musikkomposition fra University of Hong Kong i 2007. Han har en ph.d. i musikkomposition fra Princeton University (USA) og er assistent professor i kritisk intermediakunst på skolen for kreative medier, City University of Hong Kong. Hans mentorer inkluderer Chan Hing-Yan og Paul Lansky. Young har udstillet og optrådt internationalt, herunder Sydney Springs International New Music Festival (Australien 2001), Canberra International Music Festival (Australien 2008), ISCM World Music Days (Australien 2010), MONA FOMA Festival of Music and Art (2011), Mikrobølgeovn International New Media Arts Festival (HK 2004) blandt mange andre. I 2007 var han den første Hong Kong-kunstner, der vandt Bloomberg Emerging Artist Award med sit audiovisuelle projekt The Happiest Hour.
På trods af dette opkald om succes for ekstremiteter er Young også reflekterende og tankevækkende, træk, der vises i hans værker. Hans Machines for Making Nothing (2011-2014) er en samling af små elektroniske objekter, som bortset fra at blive brugt til at lege med ikke har nogen funktion eller mening overhovedet. Deres eksistens beviser, hvordan interaktivitet kan være forførende eller endda vanedannende, og kunstværket udforsker 'de æstetiske fornøjelser ved menneske-maskine-interaktion' på sit mest basale niveau. Beethoven Piano Sonata nr. 1 - 14 (Senza Misura) består af 47 åbne brødbrætkredsløb, der fungerer som elektroniske metronomer. Hver af disse små enheder tikker og blinker og markerer tempoet fra en af sonatens bevægelser.
Annie Wan
Annie Wan er en ny mediekunstner fra Hong Kong. Hun uddannede sig med en BA i kreative medier fra City University of Hong Kong i 2002 og en MSc i anvendt informationsteknologi (kunst og teknologi) fra Chalmers University of Technology, Sverige, i 2005. I 2012 modtog hun en ph.d. i digital kunst og eksperimentelle medier fra University of Washington, USA. Hun er i øjeblikket adjunkt ved School of Communications (Academy of Film), Hong Kong Baptist University. Wan har udstillet internationalt på festivaler, begivenheder og udstillinger, herunder Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapore), ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, USA), den franske paviljong på den 10. Venedig Arkitektur Biennale. I 2009 vandt hun finalistprisen ved Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japan.
Annie Wans værker fokuserer mest på lokative medier, indlejret elektronik og netværksbaserede systemer. Hvor er kyllingen? (2008-2009) er et lokativt robotværk offentlig kunst, understøttet af Hong Kong Arts Development Council. Værket fungerer som en narrativ forestilling, der er konstrueret med interaktionen mellem roboten, dens kulturspecifikke placering og den deltagende offentlighed. Arbejdet er en menneskelig mekanisk automat, der simpelthen ikke simulerer virkeligheden, men giver offentligheden mulighed for at engagere sig i den og ændre, transformere og snu opfattelsen af en sådan virkelighed. Ved at interagere med installationen samarbejder offentligheden om dens udvikling såvel som i fortsættelsen af fortællingen omkring forestillingen. Publikum hjælper også med at samle et 'kyllingekort over byen' ved at dele sine oplevelser med kunstneren.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (f. 1966, Taipei) er i øjeblikket baseret mellem Taipei og New York. Han har udstillet internationalt, såsom National Taiwan Museum of Fine Arts og Museum of Contemporary Art i Taipei, Chelsea Museum of Art i New York, Hong Kong Arts Center og Perth Institute of Contemporary Arts i Australien.
Shyu er kendt for at skabe mekaniske og kinetiske skulpturer, der blev lanceret i 1997, og som bruger mekanisk form som et abstrakt sprog, der formidler hans ideer og følelser overfor livet, erindringer og spørgsmål omkring miljø, politik og samfund. Hans mekanisk komplekse værker omfatter op til tusinder af komponenter designet og lavet af kunstneren selv, men bevarer et enkelt udseende og giver et indtryk af enkelhed.
En slags opførsel er hans seneste værk, en offentlig udendørs installation, der nu vises på Bronx Museum of Art i New York indtil den 17. august 2014. Installationen omfatter dusinvis af stålspande i samme størrelse, spredt på terrassegulvet og bølgende til deres egen individuelle rytme. Værket er inspireret af den kvasimekaniske bevægelse af eremittekrabber, hvis langsomme bevægelser står i høj kontrast til den hastighed, hvormed det moderne samfund bevæger sig. Eremittekrabben bruger også skaller, der kasseres af andre arter, og Shyu ser dette som en metafor for vores menneskelige tilstand. Kunstneren beder os om at reflektere over vores miljø og konsekvenserne af menneskelige handlinger på naturen.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) er en taiwanesisk kunstner, der beskæftiger sig med digital kunst og robotik. Han er kendt for sit designarbejde for popmusikindustrien i Taiwan. Han har udstillet omfattende i hele verden, herunder i Hong Kong, Kina, Taiwan, Singapore, Japan og USA. Lee beskæftiger sig med tværfagligt arbejde og har skabt robotter til et forskelligt publikum, herunder kommerciel branding, visuel kunst, scenekunst og offentlig kunst.
Et af hans mest kendte værker i den offentlige sfære er BIGPOW, en robotinstallation, der består af en gruppe på tre robotter, en stor og to mindre. De tre robotter er legende og søde i udseende og skjuler en interaktiv komponent bag deres tilsyneladende statiske design. Roboterne er metamorfoseret hi-fi-udstyr, og offentligheden kan tilslutte deres MP3-enheder til dem og dele deres musik offentligt.
Lee udtrykker sin kærlighed til elektronisk musik og har også skabt to dansende robotter, Ding og Lulubo. Ding er en blæksprutte-lignende væsen med otte ben, og Lulubo er en kvindelig robot med en smuk form. De to robotter har 'optrådt' i dansesaler og teater, på Hip Hop og elektroniske beats, såvel som 'samarbejdet' med dansetrupper.
Af CA Xuan Mai Ardia
