En dybt filosofisk mand, der undgik materialismen og insisterede på forresten af rå følelser, måske kunne vi alle gøre med lidt mere af Rothkos principper i vores liv. Her er 10 ting, du skal vide om kunstneren, inklusive hvad hans største frygt var.
Individuel oplevelse er nøglen
Rothko troede stærkt på vigtigheden af den personlige oplevelse af enkeltpersoner for hans malerier. I sin vision ville seeren blive trukket ind i et dybt, meditativt forhold, når han står overfor lærredet, en tilstand af følelsesmæssig sårbarhed og total modtagelighed, analog med Rothkos følelsesmæssige tilstand, da han malede lærredet i sit studie.
Mark Rothko i sit studie, 1964, cibachrome © Hans Namuth / Med tilladelse fra National Portrait Gallery, USA
Farven mesteren var ikke “interesseret i farve”
Siden hans tidlige død er Rothkos banebrydende af Color Field-bevægelsen blevet beskrevet af mange kritikere som udiskutable og banebrydende. For maleren selv var farve kun et køretøj mod en følelsesmæssig reaktion, der fremkaldes i betrakteren, stribet af ethvert æstetisk eller dekorativt understrøm. I en berømt erklæring, der legemliggør hans kunstneriske praksis, sagde Rothko: "Hvis du kun er bevæget af farveforhold, mangler du pointen."
Rudy Burckhardt (1914–1999), Mark Rothko, New York, 1960, gelatin-sølvtryk Courtesy of Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (begavet af Seymour H. Knox Jr.)
Den eneste reaktion, der betyder noget, er følelsesladet
Rothko var optaget af rå menneskelig reaktion, eller hvad han kaldte "grundlæggende menneskelige følelser-tragedie, ekstase, undergang osv." Og fandt, at dette var den eneste 'rigtige' måde at reagere på hans malerier. Når hun nærmer sig lærredet, skal seeren slippe af med ønsket om at fortolke eller forstå maleriet i en intellektuel forstand og lade sig bevæge sig af den følelse, der er indgraveret i kompositionen. I sidste ende så Rothko dette som en tilstand, hvor maler og seer deler et sæt følelser, næsten transcendentalt, mens de står over for det samme lærred. Inden for rammerne af den stadig mere intellektualiserede kunst fra 1950'erne og 1960'erne var denne tilgang ikke kun original, men også kontroversiel.
Mark Rothko, Untitled (Seagram Mural sketch), 1959, olie på lærred Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Afstå fra at kalde hans malerier "smukke"
At have sine malerier tjene et dekorativt formål var uden tvivl Rothkos største frygt som kunstner. Hver gang han solgte en privat, studerede han først køberens reaktion på lærredet i et forsøg på at vurdere, om den nye ejer ville bruge maleriet som tilbehør eller som midtpunkt. Selvom der er en udiskutabel skønhed ved Rothkos tårnhøje, hypnotiserende værker, er hans ordinerede måde at se dem på at tømme dit sind for enhver æstetisk overvejelse og opfatter dem til at bevæge sig, både bogstaveligt og billedligt.
Mark Rothko, Untitled, 1955, olie på lærred Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos tidlige værker er figurative
Hans tidlige værker er bestemt figurative, langt fra de store, abstrakte værker, som han til sidst blev kendt for. Subway-scener, fortolkninger af oldtidens myte, semi-menneskelige figurundersøgelser og pastorale omgivelser samles i en eklektisk blanding af tilsyneladende ikke-relaterede emner, inden de bliver uskarpe abstraktioner i den næste fase af Rothkos udvikling. Den ene forbindelse mellem disse og hans senere værker er malerens synlige forkærlighed for de lodrette lodrette linjer, kroppe strækket opad og allestedsnærværende søjler alle foregriber Rothkos modne værker.
Mark Rothko, Untitled, 1947, olie på lærred Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Sort er aldrig rigtig sort
Mere specifikt er det sorte, der bruges af Rothko, et multidimensionelt plan med mørk farvetone, normalt placeret på toppen af eller ved siden af, en anden tone, der lægger resten af maleriet i en meget subtil farve. Selv i de sene, typisk mørke værker, præciseres det lag af sort med semi-tilsyneladende blinkfarver nedenunder og kæmper for luft ud over det oprindelige indtryk.
Mark Rothko, Untitled, 1953, blandede medier på lærred Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos malerier er blandt de dyreste kunstværker, der nogensinde er solgt
Rothkos Orange, rød, gul (1961) er blandt de fem største dyreste efterkrigsmalerier nogensinde solgt på auktion. Det hentede ekstraordinære 86, 9 millioner dollars på en Christie's New York-auktion i 2012 og slog kunstnerens tidligere plade med White Center (Yellow, Pink og Lavender on Rose), som blev købt for 72, 8 millioner dollars på Sotheby's i 2007. For at sætte dette i en sammenhæng, Van Gogh's Irises (1889) solgte for 'kun' $ 53, 9 millioner i 1987.
Penge var aldrig et drev for Rothko
På trods af de rekordstore priser, som hans malerier hentede i nutidens kunstvirksomhed, var velstand og berømmelse aldrig blandt Rothkos prioriteter. Den såkaldte Seagram-kommission er et spektakulært eksempel: I juni 1958 accepterede Rothko en kommission fra ejere af den nye Four Seasons Restaurant i New York til at fremstille et sæt vægmalerier til interiøret og komplementere det involverede stjernestjerne i restaurantens design komplet med Mies van der Rohe og Philip Johnson.
Efter først at have accepteret det, der ville have været hans mest indbringende opgave, afbrød Rothko kontrakten pludselig med lidt forklaring. Det er mistænkt for, at han troede, at projektet ville gå på kompromis med hans integritet som kunstner og gøre hans malerier rent dekorative i en luksuriøs spisemiljø.
Seagram Murals Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos senere værker trækker mod mørket
I de senere faser af hans karriere, i 1960'erne, begyndte Rothkos malerier at vende sig mod mørket, et komplet skift fra hans tidligere fokus på livlige lærreder, hvor farver tilsyneladende tog centrum. Mørke grå og næsten sorte begyndte at dominere hans palet i det, som mange nu ser som et tegn på hans selvmord i vinteren 1970. Forbløffende er hans sidste arbejde en skrigende sammensætning af blodrøde.
Mark Rothko, nr. 7, 1964, blandede medier på lærred Courtesy Gemeentemuseum den Haag
