Den mellemøstlige kunstscene, historisk patriarkalsk karakter, kan prale af nogle af de mest indflydelsesrige kvindelige kunstnere, der er anerkendt på den globale scene. Disse kunstnere bidrager til det udviklende kulturelle landskab i regionen og arbejder i en mangfoldig række medier og beskæftiger sig med personlige såvel som lokale og universelle problemer. Her er ti af de bedste kvindelige kunstnere fra Mellemøsten.
Mona Hatoum, Web, 2006, krystalkugler og metaltråd,
515 x 2100 x 1325 cm Med tilladelse fra fotograf Ela Bialkowska og Galleria Continua San Gimignano / Beijing / Les Moulins
Mona Hatoum | Libanon / Palæstina
Af palæstinensisk oprindelse er Mona Hatoum født i Libanon og har haft base i Det Forenede Kongerige siden 1975. Hatoum har fundet inspiration i sin oplevelse af fordrivelse ved konflikt. Bevægelse, rejse, opdagelse af nye kulturer, mennesker og lander er kernen i hendes praksis, der tager fat på "rodløsheden" i et nomadisk liv. I 1980'erne fokuserede hendes første værker-videoer og forestillinger på hendes egen krop som et middel til at afgive politiske udsagn om dislokation og migration, som f.eks. I Measures of Distance. I 1990'erne bevægede hun sig mod oprettelsen af stedsspecifikke installationer og objekter. Hatoums oeuvre indeholder en række forskellige medier, fra metal, lys og glas til kropsligt materiale, såsom hår og dagligdagsgenstande. Hun arbejder med forskellige emner, lige fra politik og køn til husstand og vores forhold til rummet, og hendes værker fremkalder flere fortolkninger og følelser, afhængigt af den fysiske og mentale interaktion fra seeren med kunstværket. Hendes imponerende skulpturer og installationer destabiliserer opfattelsen af virkeligheden og fremhæver de modstridende forhold mellem lyst og frastødelse, frygt og fascination, såsom Slicer (1999), Paravent (2008) og Daybed (2008) - hverdagens redskaber og møbler sprængt ud af forhold, bliver uhyggelig og truende. Andre værker - såsom The Light at the End (1989), Current Disturbance (1996), Cage-à-deux (2002) og Impenetrable (2009) - udvider udforskningen af sådan angst ved at stille spørgsmål om arten af delt og socialt rum og undersøge forestillinger om frihed og fangenskab.
Shirin Neshat, Roja (Masses), fra The Book of Kings-serien, 2012, blæk på LE sølvgelatintryk, 101, 6 x 76, 2 cm høflighed af Gladstone Gallery, New York og Bruxelles
Shirin Neshat | Iran
Gennem film, video og fotografering undersøger Shirin Neshat forestillinger om kvindelighed og kønspolitik i Iran såvel som hukommelse, religion og vold. Hendes poetiske billedsprog og fortællinger ledsages af den skarpe visuelle kontrast mellem modsætninger - mand og kvinde, sort og hvid, lys og mørk. Født og opvokset i Iran rejste Neshat til De Forenede Stater for at forfølge videregående uddannelse i 1974, og på grund af den islamiske revolution kunne hun ikke vende tilbage til Iran før i begyndelsen af 1990'erne, hvor hun begyndte at fremstille sine første kunstværker. Dette var fotografier, hvor hun behandlede forestillinger om femininitet i relation til islamisk fundamentalisme og militante forhold i Iran, såsom The Unveiling (1993) og The Women of Allah-serien (1993-1997). Det sidstnævnte bestod af portrætter af kvinder overlagt med håndskrevet persisk kalligrafi. Fra sin åbenlyse politiske indhold eller kritik anvendte hendes første videoinstallationer - trilogien bestående af Turbulent (1998), Rapture (1999) og Fervor (2000) - to skærme til at skildre abstrakte modsætninger af køn og social status, individuel og gruppe. Mens videoerne antydede begrænsningerne i islamsk lovgivning mod kvinder, åbnede de også for flere aflæsninger, der fremhævede universelle forhold. Hun fortsætter nu med at beskæftige sig med centrale temaer om religion, vold, vanvid og køn i en række forskellige værker, herunder spillefilmen Kvinder uden mænd (2009, Silver Lion på 66. Venedig Film Festival) til sin fotografiske serie Zarin (2005) og film Faezeh (2008). I sin nyere serie, The Book of Kings (2012) og Our House is on Fire (2013), reagerer Neshat på politiske begivenheder i hele den arabiske verden og fanger følelser fra mennesker, hun mødte efter den arabiske forår.
Lamia Joreige, Views of Museum Square 1, 2013 Med tilladelse fra Taymour Grahne Gallery, New York
Lamia Joreige | Libanon
Kunstner og filmskaber Lamia Joreige bruger arkivdokumenter og fiktionelementer til at reflektere over historien og mulighederne for dens fortælling og overvejer forholdet mellem individuelle historier og kollektiv hukommelse. Joreige beskæftiger sig med den libanesiske historie og udforsker måderne, hvorpå den libanesiske krig og dens efterslæb er repræsenteret og fortalt, især i Beirut - centrum for hendes praksis. Hendes film Her og måske andetsteds (2003) repræsenterer Joreiges personlige kort over Beirut, da hun møder forskellige mennesker på sin rejse langs den usynlige grønne linje - stedet for militære kontrolpunkter og scenen med mange kidnappinger, der delte Beirut mellem øst og vest. I sin enkeltkanals video Objects of War No.3 (2006) undersøger hun, hvordan krig og traumer bliver legemliggjort i materielle objekter, mens hun i sin fotografiske serie Night and Days (2007) registrerer tidens gang og de inducerede transformationer ved krig, gennem optagelser og noter, hun tog under krigen sommeren 2006. Joreiges oeuvre koncentreres hovedsageligt om optagelse af tid, dens spor, dens virkninger på os, hukommelsesprocessen og umuligheden af at få adgang til en komplet fortælling om fortiden. I sit seneste igangværende projekt Underwriting Beirut ser Joreige på historisk og personligt betydningsfulde steder i byen. Som en palimpsest indarbejder værket flere lag af tid og eksistens, der forbinder sporene, der registrerer lokationernes historie og den fiktion, der genopfinder dem.
Emily Jacir, Materiale til en film (2005-), Venice Biennale 2007 © blunted / flickr
Emily Jacir | Palæstina
Emily Jacir arbejder i forskellige medier, herunder film, fotografering, installation, performance, video, skrivning og lyd, og kombinerer kunstnerens, aktivistens og poetens roller for at skabe gripende kunstværker, der er både personlige og dybt politiske. Jacir er en talsmand for palæstinensiske rettigheder, og hendes dedikation til sit eget folks lidenskab ligger i centrum for hendes praksis. Mindesmærke for 418 palæstinensiske landsbyer, som blev ødelagt, depopuleret og besat af Israel i 1948 (2001), resultatet af et tre-måneders samfundsbaseret projekt i hendes studie, er et flygtningstelt, hvortil 140 mennesker fra alle samfundslag og steder - Palæstinensere, israelere og andre - syede navnene på ødelagte landsbyer. I geriljestykket Sexy Semite (2000-2002) opfordrede Jacir 60 palæstinensere til at bidrage med annoncer til The Village Voice Personals-afsnittet, der søger romantiske forbindelser med jødiske læsere, hvorved han foreslog at gifte sig for at kunne vende tilbage til Palæstina ved hjælp af den israelske lov om Vend tilbage. Hendes prisvindende multimedieinstallation Materiale til en film (2005) - der vandt Den Gyldne Løve på Venedigbiennalen i 2007 - ser på mordet på den palæstinensiske forfatter Wael Zuaiter, der blev dræbt i nærheden af sit hjem i Rom af israelske Mossad-agenter. I ex libris (2010-2012) dokumenterer Jacir de 30.000 bøger, der er plyndret fra palæstinensiske hjem, biblioteker og institutioner af israelske myndigheder under massedrivningen af palæstinensere til oprettelsen af staten Israel i 1948. Jacir fotograferede bøgerne med hendes mobiltelefon gennem to års besøg på det jødiske nationale og universitetsbibliotek i Jerusalem, hvor bøgerne opbevares og katalogiseres som AP - Abandoned Property.
Shadia og Raja Alem, The Black Arch, 2011, installationsvisning på Venedig-biennalen 2011. Samling af Basma Al-Souliman høflighed af Shadia og Raja Alem
Shadia og Raja Alem | Saudi Arabien
Den samarbejdende søsterduo fra Shadia og Raja Alem baserer deres arbejde på deres åndelige binding for at fokusere på ”oversættelse og fortolkning mellem forskellige genrer og forestillinger om kultur i en æra med globalisering.” Shadia, den billedkunstner, skaber individuelle værker inden for maleri og fotografering, såsom Kabat Allah Al-ulya '(Guds øverste Ka'ba) (2012), samt samarbejdsinstallationer med Raja, den prisvindende forfatter. I Negative No More (2004) projiceres kunstnerens indhyllede billeder på et gyldent gardin, lavet af negativer, der er vævet sammen fra familiefotografier taget i hele deres liv. Dybt selvbiografisk står installationen som en beskrivelse af en kvinde og kunstner i det arabiske samfund og kaster negative antagelser og fremskrivninger. I 2011 repræsenterede de Saudi-Arabien i sin første officielle pavillon på Venedigbiennalen med Den sorte bue - en udforskning af den fysiske og psykologiske tilstedeværelse og betydningen af 'sort', et centralt aspekt i kunstnerens liv. Fra de sorte silhuetter af saudiske kvinder, den sorte beklædning af Ka'aba og den sorte sten - et vigtigt træk ved installationen, der siges at have forbedret viden, er sort overalt i Mekka. Installationen kaster sig ind i belysningen og uvidenheden, der fremkaldes af farven sort, samt taler om en rejse, en overgang og forbindelsen mellem Mekka og Venedig og de to byers ligheder og inspirationskræfter. Dialogen mellem øst og vest afspejles også i projicering af billeder på gulvet og blandingen af lyde inklusive duer, måger og stemmer fra pilgrimme og gondolieri.
Manal Al Dowayan, Esmi (Mit navn) 2, 2012, installationsvisning Med tilladelse fra Manal Al Dowayan
Manal Al Dowayan | Saudi Arabien
En fotograf og installationskunstner, Manal Al Dowayan skaber kunstværker, der er en direkte afspejling af hendes liv, og de op- og nedture, der findes. Hendes hovedfokus er de saudiske kvinders oplevelse, men hun beskæftiger sig også med mere personlige temaer, f.eks. I Landscapes of the Mind og And We had No Shared Dreams. Fra sort / hvid-fotografering lagger hun en række medier, inklusive silkeskærmprints, collage, spraymaling og neon- og LED-lys. Kong Abdulla Al Sauds berømte tale - der opfordrede alle saudier til at mødes for at opbygge landet og understrege betydningen af kvinders deltagelse - inspirerede hendes fotografiske serie I AM (2007), der fremstiller selvbevidste, karismatiske professionelle kvinder i traditionel kjole og smykker iført elementer, såsom sikkerhedshjelme og et stetoskop, der henviser til traditionelle 'mandlige job'. I 2011 bidrog Al Dowayan med et værk til Venedigbiennalen med Suspended Together, en installation af 200 fiberglas-duer, der hængende fra loftet. Duen, et symbol, der er vist i hendes tidligere værker, symboliserer saudiske kvinder, og i dette særlige tilfælde, præget med rejsetilladelsesdokumenter, adresserer den situationen for saudiske kvinder og deres behov for tilladelse fra en værge, når de rejser. Al Dowayan bad førende saudiske kvinder som designere, videnskabsmænd, undervisere og kunstnere om at bidrage med tilladelsesdokumenter til hendes installation. Esmi - My Name er en installation, der stammer fra et deltagende projekt, der behandlede de unikke sociale holdninger til kvindenavne i det saudiske samfund.
Shirazeh Houshiary, Kommissionen for St Martin-in-the-Fields, London, 2008, samarbejde med Pip Horne om det nye østvindue © fmpgoh / Flickr
Shirazeh Houshiary | Iran
Shirazeh Houshiary blev fremtrædende i 1980'erne som billedhugger. Hendes praksis omfatter nu maleri, installation, film og arkitektoniske projekter - såsom Commission for St Martin-in-the-Fields, London (2008). Kernen i hendes praksis ligger en fascination af spændingen mellem processen med opløsning og erosion af universet og vores bestræbelser på at forsøge at stabilisere den. Dette element viser sig i sit arbejde gennem leitmotiver som slør, tåger og membraner - visualiserer forskellige opfattelsesmåder. Houshiary henter inspiration fra en lang række kilder, herunder sufisme, 1700-tals poesi, fysik og renæssancemaleri. Transformationen af materialer er afgørende i hendes arbejde og destabiliserer virkeligheden. Houshiarys interesse for fysisk at legemliggøre åndelige begreber, såsom 'ånde', førte til, at hun skiftede fra sine biomorfe skulpturelle former i stigende grad mod den to-dimensionelle. Veil (1999) er en del af en serie 'selvportrætter' baseret på ideen om, at ordet er manifestationen af åndedræt. Sløret - chador - er repræsenteret som en sort firkantet akrylgrund, som hun skrev på arabisk kalligrafi ved hjælp af en blyant og anvende forskellige grader af tryk. Touch (1999) og Presence (2006–07) er også monokromatiske værker med arabisk kalligrafi på hvid eller sort akrylbaggrund, der gøres uforståelige gennem indviklede mønstre i grafit og pigment. I sit første videoprojekt, Breath (2003), visualiserede Houshiary åndedræt gennem en digital digital animation med fire skærme, hvor hver skærm har en ekspanderende og kontrasterende tåge, når kulturelle og religiøse kald kaldes. Ordene er en formel manifestation af åndedræt, tågerne af skærmene er dets visuelle udtryk. En ny åndedrag blev præsenteret som en installation på Venice Biennale i 2013.
Mandana Moghaddan, Chelgis II, 2005, installationsvisning på Venice Biennale 2005 med tilladelse fra Mandana Moghaddan
Mandana Moghaddam | Iran
Tildelt asyl i Sverige efter henrettelsen af hendes far under den islamiske revolution, Mandana Moghaddam trækker ud af sin oplevelse af dislokation for at skabe værker, der forsøger at bygge bro over kulturelle grænser og inspirere til interkulturel dialog. Hun arbejder med temaer for fremmedgørelse, kommunikation og køn og mindes også aspekter af det iranske liv. Moghaddams installationer udtrykker en spænding mellem den mandlige og den kvindelige sfære, som det fremgår af hendes Chelgis-serie af værker (2005-2007), hvor materialer som hår og beton eller kanoner sidder sammen. Chelgis II (2005), der blev præsenteret på den 51. Venedigbiennale, har en cementblok ophængt fra loftet med fire fletninger af hår. Fletningerne med et rødt bånd - et symbol på feminin livlighed, glimt og følsomhed - tolererer og understøtter den tunge cement, et symbol på den absolutte, traditionelle maskulinitet såvel som en manifestation af ensformighed og kulde. I Chelgis IV understøtter fletninger af hår igen en stor struktur lavet af spejle. Moghaddams arbejde udtrykker kvindernes situation i den arabiske verden, symboliseret med håret: undertrykkelse og tvungne idealer. Men det samme hår, afskåret, afslører kvindernes indre styrke og deres befrielse. I en søgning efter forsoning, dialog og håb forbinder Moghaddam's The Well (2008) forskellige byer rundt om i verden gennem en brøndinstallation, der sender lydfeeds til en anden brønd i et andet land. I 2009 havde hun installeret brønde i New Delhi, Bangalore, Göteborg og Seoul. Sara's Paradise (2009) taler om massakre og mindesmærke, der giver en mindedag og en refleksion over de 800.000 unge liv, der blev krævet af krigen mellem Iran og Irak.
Shadi Ghadirian, Untitled fra White Square-serien, 2009, fotografering med tilladelse fra Shadi Ghadirian
Shadi Ghadirian | Iran
Gennem fotografering udforsker Shadi Ghadirian temaer for konflikt mellem tradition og modernitet og kvindernes position i et mandsdomineret samfund. Hendes arbejde giver ikke kun en identifikation med kvinder i den arabiske verden, men peger også på universelle forhold, der giver en forbindelse mellem øst og vest. Ghadirian blev offentlig opmærksom i 2001 med sin serie Like Everyday (2000-20001) og Qajar (1998-1999). Det sidstnævnte er en serie sepia-fotografier i Qajar-dynastiet (1794-1925) i stil: kvinder, der er klædt i traditionelle beklædningsgenstande fra tiden, udgør moderne objekter, såsom en radio, en ghetto-blaster, en telefon eller en hoover. Billederne kommenterer humoristisk den moderne iranske kvindelige livserfaring, som om de findes uden for tiden. Ligesom hver dag har portrætter af kvinder, der er helt dækket af mønstrede slør, med hverdagens redskaber og husholdningsværktøjer, der dækker deres ansigter. Billederne peger ironisk nok på den en-dimensionelle fortolkning af husmoren ved at reducere deres identitet til husholdningsgenstande. Ghadirian henviser også til den stadigt tilstedeværende krigsskygge i hverdagen, som det fremgår af hendes serie My Press Photo (1999), Nil Nil (2008) og White Square (2009). Mens hendes fotokollager My Press Photo kombinerer billeder taget fra pressebureauskataloger med gamle portrætter af iranske militærmænd, ser Nil Nil genstande af krig - en håndgranat, en blodig bajonet, en gasmaske - der trænger ind i den indenlandske sfære på absurde måder, såsom i en frugtskål, som sted eller i en børns legetøjspose. Det Hvide Firm udtrækker disse redskaber til død fra enhver kontekst eller baggrund og præsenterer dem som i en serie af produktfotografier af gaveartikler. En granat, en militærhjelm, et ammunitionsbælte, en gasmaske, militære kampstøvler og andre genstande er indstillet på en hvid baggrund, komplet med et rødt satinbånd bundet omkring dem.
