Når vi hvælver os længere ind i den moderne verden, er det vigtigt at reflektere over kunsten og kulturen hos et folk, der stammer fra et Amerika før vores tid. Indianers historie er en afspejling af personlige, etiske og sociale kampe. Til ære for Seneca Art and Culture Center på det engang ødelagte Ganondagan State Historical Site i Victor, New York, her er 13 indianerkunstnere, du burde kende.
Pacific Northwest Indian American Art © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Anerkendt af 20-årsalderen som en af de bedste Hopi-pottemagere, perfektionerede Nampeyo ('slange, der ikke bider') det håndværk, som hendes bedstemor lærte ved at bruge genanvendte potterder som basismateriale. Hendes fint konstruerede keramik udstillede en stil, præcision og holdbarhed, som få kan genskabe igen. Nampeyo er kendt for design med en teknik kendt som polychrome, som er brugen af mange lyse, levende farver som røde, brune, gule og dybe sorte, malet på med et tygget Yucca-blad. Hendes keramik havde et indviklet og naturligt motiv ved hjælp af geometriske figurer kombineret med billeder af dyr og ansigter, derefter udødeliggjort ved hjælp af en fyrteknik, der kan dateres tilbage til det 15. århundrede.
Ernie Pepion
Ernie Pepions personlige historie og hans sejr over modgang er mindst lige så storslået som hans kunst. Som medlem af Blackfeet Tribe tilbragte Ernie Pepion det meste af sit liv som løber og rodeo-rytter. Han serverede adskillige tjenesterejser i Vietnam, men desværre i 1971 var han involveret i et alvorligt bilvrag, som førte ham til en kørestol som en quadriplegic. Mens han blev frisk på et hospital, blev han lært at male af en anden patient ved hjælp af et motoriseret staffeli og en stag til hånden og underarmen. Ernie Pepion tjente som inspiration til at overvinde fysiske udfordringer og var genstand for en dokumentar kaldet Ernie Pepion: The Art of Healing.
Den indiske © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (Oriole)
Få måske ved, at Ma-Pe-Wi's arbejde ses næsten hver eneste dag af mange amerikanere rundt om i landet. Oprindeligt fra Zia Pueblo-stammen i Santa Fe, New Mexico, fik Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera ingen formel kunstuddannelse, men var dog i stand til at blive en af de mest produktive malere i det 20. århundrede. Hans abstrakte design fanger ofte skildringer af hverdagens Pueblo-liv og ceremoniedanser. Ma-Pe-Wi er også kendt for sin brug af leachina, som er en ånd af ting i den virkelige verden dybt forankret i Pueblo-kulturen. Selvom Wi oprindeligt blev kritiseret af sin egen stamme, gav Wi tilladelse til staten New Mexico til at bruge hans genoprettelse af Zia-solen, som nu pryder statsflagget.
Parr
Selvom overfladen på hans overflade kan virke temmelig forenklet, udtrykker Parrs design ikke kun selve essensen af canadisk inuitkultur, men er en omdannelse af hans helt eget liv til kunst. Parr levede nomadisk størstedelen af sit liv, og hans arbejde afspejler balancen mellem bevægelse mellem menneske og natur. Disse karakteristiske design fremhæver scener, der symboliserer livets fastholdelse gennem jagt, fiskeri og menneske mod elementerne. Parr's arbejde har også en åndelig kvalitet, der afspejles i hans brug af gamle shamaniske motiver. Hans arbejde Hunters of Old blev til sidst udødeliggjort på et canadisk frimærke fra 1977.
Lucy M. Lewis
Ofte beskrevet som Pablo Picasso fra keramik, begyndte Lucy M. Lewis at lave keramik i en alder af otte fra sit hjem i Acoma, New Mexico. Hendes brug af fine linjer viser en markant balance mellem håndværk, præcision og symmetri. På trods af sin dygtighed og kunstneriske dygtighed havde Lewis ingen formel uddannelse og var stort set selvlært. Hun blev inviteret til Det Hvide Hus i 1977 og har en permanent samling på Smithsonian-museet i Washington DC. I hele sit liv og sit arbejde modtog Lewis adskillige fremragende priser, herunder New Mexico Governor's Award for fremragende personlig bidrag og anerkendelse fra American Crafts Council College Art Association.
Samling af cirka 25 stykker Pueblo indisk keramik fra (?) Samlingen af pastor Dr. George Cole, ca.1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook var en mand, der virkelig var blandt naturens elementer. På trods af at han var en blekkhugger og trykkeri fra det 20. århundrede, levede han det meste af sit tidlige liv på rejse fra igloos om vinteren til sodahuse om sommeren. Som en selvlært kunstner genkender hans arbejde ofte overgangen fra traditionelt indianerliv til moderne eksistens. Pootoogooks arbejde viser også en klar enhed og påskønnelse af forbindelsen mellem menneske og natur. Hans aftryk afspejler dyr, der efterligner menneskelignende kvaliteter, og omvendt, hvilket viser ligheden mellem sameksistens mellem menneske og dyr. Blandt mange andre æresbeviser blev der udstillet en udstilling af hans arbejde på Vancouver vinter-OL i 2010.
Bob Haozous
Mest berømt bemærker Bob Haozous, at 'mennesket ikke er bortset fra naturen, men en del af det.' Haozous 'arbejde udviser en udfordring for vestlig filosofi, der overhaler indfødte tanker. Selvom han tjente i marinen på USS Frank Knox i Vietnam, glemte Bob Haozous aldrig sin Apache-oprindelse i hans kamp mod racisme og marginalisering af indianere. Så stærk som hans overbevisning var, afspejler hans arbejde også et humoristisk syn på sociale og miljømæssige synspunkter. Bob Haozous 'malerier og skulpturer kan ses nationalt og internationalt på steder som Apache Holocaust Memorial på Dartmouth College og West Phalian State Museum i Tyskland.
Pacific Northwest Indian American Art © Ed Bierman / Flickr
Juane Quick-to-Sea Smith
Juane Quick-to-Sea Smiths markante blandede mediekunst er en udførelsesform for både hendes indianerkultur og urolige barndom. Forladt af sin mor forbinder Smith sine personlige udfordringer med udfordringen ved at overvinde myter og stereotyper fra indianere. Hver af hendes unikke blandinger af maleri, billeder og tekst fortæller en individuel historie om personlig modgang og behovet for at knuse status quo. Hendes arbejde ses bredt på Smithsonian i Washington DC, Whitney Museum og Museum of Modern Art. Blandt Smiths mange æresbeviser kom hendes Lifetime Achievement Award fra Women's Caucus for the Arts.
Calvin Hunt
Hans kraftfulde og slående træsniderier giver seeren et dybt perspektiv i Kwakwakawakw-kulturen i Stillehavsområdet nordvest for Canada. Calvin Hunts håndudskårne totempæle, masker og dansetøj er formet af rød cedertræ. Hans brug af levende røde og blå malinger bringer hans skildringer af dyr og mennesker til live med et umiskendeligt niveau af realisme og kraftfuldt billedmateriale. Calvin Hunts arbejde er beregnet til at vise verden gennem en symbolsk forening af dyr og legende. Så stærk og direkte er hans bemærkelsesværdige arbejde, at han ejer sit eget galleri på Royal Academy of Arts i British Columbia.
Julia Jumbo
Julia Jumbo, som blev betragtet som en af de bedste Navajo-vævearbejdere, der nogensinde har boet, er velkendt fra sine indviklede design kombineret med det højeste niveau af præcision. Jumbo er bedst kendt for sin brug af 'tusindfryd'-grænsen, som stammer fra en legendarisk væver ved navn Daisy Taugelchee. Hendes billedtæpper er fint udformet med brug af pin-lige linjer og symmetriske mønstre, omgivet af markante solide rammer af både sort og hvidt. Hun brugte sit talent for vævning som et middel til at overvinde sine barndoms kæmper såvel som en afspejling af både personlig og social orden.
Indiansk kunst © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Hun har bestemt en unik baggrund. Jane Ash Poitras blev oprindeligt uddannet til at være mikrobiolog, men mente dog, at hendes sande kald var som en blandet mediekunstner og maler. Som en del af Dada-bevægelsen (avantgarde fra det tidlige 20. århundrede) søgte Poitras hendes styrke i at skildre oprindelsen af hendes Cree-afstamning (den største gruppe indianere). Hendes arbejde er bedst kendt for sit produktive billede af hellige indianersymboler som ørnen. Men som kristen indeholder hendes arbejde også et stærkt åndeligt element, som er synlig i Jesus, Maria og Joseph. Poitras 'kunst ses ofte som en udfordring til den tvungne assimilering af aboriginal kultur.
Faye HeavyShield
Med en kombination af spiritualitet og feminisme blev Faye HeavyShield en af de århundredes førende installationskunstnere. Hun stammer fra Alberta, Canada, og hun er berømt for sin transformation af områdets opfattelse og rum gennem gentagen brug af genstande. Symbolik, der blev brugt som karakterisering af kvinders magt i moderne kultur, hældede hende i forkant af den canadiske feministiske bevægelse. Faye HeavyShields brug af farve giver hendes arbejde en magtfuld humanistisk kvalitet, og hendes spiritualisme afspejles i hendes tilbagevendende brug af kvælen (hovedbeklædning båret af nonner), som tema for kvinders forbindelse til Gud.
